大家好,今天小编来为大家解答以下的问题，关于歌曲作曲的一般技巧，写出歌词不会作曲这个很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！
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一、作曲的写作技巧
写作技巧就是写作中进行表现时运用的 *** ，是作者为表情达意而采取的有效艺术手段。写作技巧受限于作者的世界观、艺术观，同时又作用于他的写作实践，为写作活动服务。以下是我为大家整理的作曲的写作技巧相关内容，仅供参考，希望能够帮助大家。
在作曲之前我们先要确定歌曲是几段体(一段体、两段体、三段体)，两、三段体是比较常见的。
使用 *** 加入经过音来作曲。适用于先写和声，然后再加入旋律，此类曲子的旋律与伴奏的 *** 相非常和谐，旋律的和声的走向也比较明显，但是，一般篇幅都比较短。
1、使用纯粹的自然音阶来作曲。比较适合写长段的旋律，先写旋律，后写和声。如：大调自然音阶： 1 2 3 4 5 6 7小调自然音阶： 6 7 1 2 3 4 5。
2、使用各种特色音阶来作曲。就是在你作曲的自然音阶旋律中，可以即兴的加入一个或者若干个变化音。
3、借助各种乐器的音阶特点来作曲。如：云南乐器葫芦丝，巴乌只有一个8度加一个音，所以作曲的时候，也需要考虑到这个乐器的音域。
4、模仿说话读音高低的方式作曲。也就是说，在你读歌词的时候，读出歌词的抑扬顿挫，旋律的高低起伏和汉字读音的高低起伏是一致的。如同唱着说话一样!根据汉语拼音的四个声调来作曲。这些就适用于先有歌词，后有曲。
5、用音阶模进的 *** 作曲。也就是，音阶构成的旋律按照同一个规律和模式，来做音阶的上行，或者下行，也就是后面的旋律模仿前面的旋律!
6、作曲的时候经常会用到一些旋律的反复，歌曲唱起来才会朗朗上口，很容易被人们一下子就把歌的旋律记住!这样的歌常常是很好听的，如很多歌的 *** 部分，也就是副歌部分，就经常用到反复的!
7、围绕一个音乐主题，一个音，或者是一小段旋律作不同的发展。我所指的音乐主题是说，你作曲时有的那一个主要的旋律动机，你可以用环绕的方式，把它顺利的继续发展下去。
8、以一个音为中心，作音阶上行，然后作同等距离的音阶下行。当然先后的顺序可以互换的。在五线谱上写出来，看到这些音符都以这个音为对称轴上下起伏，就好像是湖水中的倒影一样，上下是完全对称的。这样的曲调听起来比较集中，不会有散乱的感觉。
9、我们以前学习古诗词的时候，有一种修辞 *** 叫做：顶针。就好像我们经常玩儿的一种游戏“成语接龙”一样，下一个词的之一个字是之一个词的最后一个字。
10、喜欢弹吉他，就可以从吉他的即兴Solo的 *** 中取得一些灵感的!当然也可以是其他的一些乐器的即兴Solo!
11、从其他已有的各类风格的音乐作品中寻找灵感。如：京剧，东北二人转等等。从中汲取你需要的音阶和好听的旋律!
12、把喜欢的歌曲或其他乐曲精彩的片段，收集在一起。取这些精华的部分，进行组合拼凑，也就是取其精华，变成自己的音乐。
13、把有灵感的时候写好的作品录音，不断地进行修改，然后挑选出最满意的部分，在最后定下来的曲子中添加装饰音，圆滑音，连音，休止符等。
14、试着在不同的心情，和情绪下练习作品，你们的作品肯定感觉也会不一样的!根据情绪的变化，可以作出有转调的作品。
15、要做到作词所体现的风格和曲子的风格是一致的，即词曲的对应。
和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。若将旋律比作“骨”则和声就是“肉”，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。和声学地位非常重要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐 *** 都对和声学作出过杰出的供献。但和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。中篇小说《你别无选择》(刘索拉著，“新时期争鸣作品”)中的那个教授自称学了八年还没学好，可见难度之大。但掌握和声学基本常识得益更大，值得一试。这里简单介绍一些重要的基本概念和术语。
由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的 *** 叫“三 *** ”。三 *** 是构成 *** 功能的最基本的 *** ，用得最多。按结构分，三 *** 有“大三 *** ”、“小三 *** ”和“减三 *** ”(只有一个)。按功能则可分为“主 *** ”(主音为根音的三 *** )、“属 *** ”(属音的三 *** )和“下属 *** ”(下属音的三 *** )。此外，每个三 *** 又有两个转位 *** 。主、属、下属这三个 *** 称作“正三 *** ”，其余的四个叫作“副三 *** ”。这四个副三 *** 又分属“属功能”组和“下属功能”组。现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三 *** 分列如下：
除了DⅦ这个减三 *** 外，其余六个三 *** 都是协和 *** 。
三 *** 上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的 *** 叫作七 *** 。七 *** 是不协和 *** 。最常用的七 *** 是“属七 *** ”(属 *** 形成的七 *** )。重属 *** 、减七 *** 也时常碰到。若在七 *** 上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九 *** 。九 *** 也都是不协和 *** 。若 *** 中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个音，这样的 *** 叫“变 *** ”。九 *** 与变 *** 的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少；简单作品中基本不出现。
和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方，低音部在最下方，中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”，而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部；两个内声部主要是配置和声，也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中，内声部要求充实平稳，声部间不许交 *** 。低音部始终是和声中的更低音，决定着根音，故它不仅起着基础作用，而且领导着和声的走向，其作用十分重要。“四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
(四)和声的进行、连接、“解决”
和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止；各声部也要为此恰当地过渡，连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定”再到“稳定”；由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的图式为：T-S-T，T-D-T或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和 *** (如七 *** )在进行，连接中向协和 *** 转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠近的协和音过渡，如 7→1；4→3，等；而协和音保持不变。
《你别无选择》中的那个叫森森的`高材生热衷于模仿贝多芬，但由于贝多芬“力度盖世”而使得他成天在钢琴上乱砸以寻求“力度”。他的一句口头禅是“ *** ，力度!”通常力度是指音响强度，用意文表示，如“p” *** “弱”，“f” *** “强”，“sf”为“特强”等等。但这里的力度则是另一个概念，否则用脚踩钢琴那“力度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要指音响效果的力度，即和声的力度。和声的力度大概与 *** 中包含的泛音系列的谐振频谱有关。因此也就与声部的数量及音程距离有关。一般说来，小三 *** 的力度不如大三 *** ；单音程的力度不及复音程(超过八度的音程)的力度；协和 *** 的力度不如不协和 *** (减 *** 除外)。所以森森才“在九 *** 再叠加一个七 *** ”。
(1)、充分理解基本概念，不必死记规则。和声学规则虽多但 *** 却少。况且记住这些“禁条”就不会犯大错，因此应先记“禁忌”。
(2)、坚持做习题。音乐不同于数理化，它无绝对的标准，习题也非一种 *** 。只有多做多练才会记牢，提高。
(3)、多听名曲。这实际上是最有效的手段。初学者可多听简单，好懂又好听的曲子。
曲式是指乐曲的结构形式。有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。各主题乐段用“A，B，…”表示。如“两段体”的曲式图式是“ AB”；“段体”的图式是“ ABA”，第三段 A与之一段基本相同。儿童歌曲多为两段体甚至一段体；通俗歌曲多是三段式。而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。
“复调”是相对于“主调”而言。如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有 *** *** ，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。主旋律只有一个。复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。“赋格”是复调曲式之一， *** 将其技巧发展成熟。
对位是“复调音乐”写作技法之一。它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对 *** 。如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
旋律就是曲调。它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。旋律具有视觉 *** ：它体现在旋律线(符头的连线)上。早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。旋律写作的技巧 *** 是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。多数概念的讲解要通过板示和视听。(见音乐欣赏讲座(3))。
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。学习配器法是要解决如下问题：各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等·各种乐器间音量上的匹配关系·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。
现假设一个例子：我写了一部小提琴协奏曲。但小提琴手拿到谱子后来找我说：没法拉。我坚信写作没有问题：旋律优美、和声丰满。问题在哪?可能有三。一是分谱的音域不对，上限或下限超出小提琴的音域范围。二是我把三 *** 写成三个音，而小提琴最多只能同时拉出两个音，琴手当然没法拉。三是 *** 音程过大：如一个音在G弦(四弦)上，而另一个则跑到了A弦(二弦)上。当中隔着一根弦，你让他(她)怎么拉?!再如，一个乡镇企业发了以后买了一堆洋乐，组成了乐团，排演了节目，遂请专家光临指导。可指挥看后大摇其头，表示爱莫能助。原因是⑴乐器数量不匹配，有些超过大型乐团；⑵不讲配器，搞大齐奏，这是专业乐手也难以办到的。
以上两例失败原因盖出于不懂配器常识。此外，在通俗歌曲伴奏中，若不适当运用配器法也可出现一些问题，如“杂乱无章”，“喧宾夺主”之类。但电声乐器的发音、音色、功能特点及演奏技巧等都与传统乐器迥异，自成体系，故传统配器法基本不适合于纯电声乐队。
根据法国音乐界的定义，作曲的风格可以分为三类：
1、ANAORPHOSE：这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受；
2、ME *** ORPHOSE：这种风格需要音乐产生一种渐进的变化，主导思想认为音乐就如同一个生命，会因为新陈代谢逐渐产生变化和变形。上一个章节的音乐表现形式虽然结束，但下一个章节的音乐表现形式是上一种表现的自然演变，这种变化不是突然的，是一个渐进的过程。这就是METABOLE；
3、CORRESPONDANCE：这种风格相对较为 *** ，由听者每个人自己去寻找不同音乐部分的呼应关系。
二、音乐编曲的一些小技巧
1、作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在 *** 上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度 *** 圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
2、这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
3、一：倒影。就像你在河上，看到河里自己的影子。
4、在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。
5、严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212
6、 *** 模进则没有这个 *** 。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）
7、重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进）
8、艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，之一句的最后一个字，是第二联的之一个字。放到音乐中的话，就是之一句最后一个音符，是第二句的之一个音符。然后依次类推。
9、大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的之一个音符。在李宗盛的 *** 迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
10、五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
11、1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
12、2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你更好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
13、最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头之一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
14、变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
15、我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7#1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。如
三、作曲的基本要求是什么
作曲是运用基本乐理、和声学、复调、配器法、曲式结构的技术理论体系来表达创作者音乐思想的 *** 。有两个基本要求：
旋律，音乐的基本元素。通常指一个有音高组织和节奏的序列。
曲调是歌唱的总称，表达一定的音乐思想或主要旋律。它是指由意境形成的几种音乐声音有组织、有节奏的和谐运动。俗称“调”。
曲调是观众获取音乐内容的重要媒介。音乐内容的表现取决于音乐的整体音效。然而，音乐素养低的人只能注意曲调的存在。实际上，音乐内容是从音乐的整体声音和歌词（如果有歌词）中获得的。不管歌词和歌手，旋律本身几乎没有音乐内容。
和声学是研究音的纵向排列与横向连接的音乐理论。只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。但掌握和声学基本常识得益更大，值得一试。调 *** 和声是创作调 *** 音乐最主要的作曲技术理论。
原为“传统和声”、“西方和声”、“西方传统和声”等。为欧洲巴洛克、古典主义、浪漫主义的作曲家们经实践总结出的理论与技术。
大小调体系的功能和声学地位非常重要，可谓是一切作曲理论的基础，许多作曲家都对功能和声学作出过杰出的贡献。这里简单介绍功能和声的一些重要基本概念和术语。
三个音以上（含三个音）音高和音名都不相同的音的结合，称为 *** 。功能和声中所用的 *** 一般为三度叠置 *** 。以某音为基础向高音区叠音建立 *** ，这个音被称作“根音（root）”。以根音为低音（bass）的 *** 叫原位 *** ，其他 *** 音为低音的 *** 叫做转位 *** 。
根音向上两次三度叠置构成的三个音组成的 *** 叫三 *** 。三 *** 是构成 *** 功能的最基本的 *** 。按结构分，基本的三 *** 有“大三 *** ”、“小三 *** ”、“增三 *** ”和“减三 *** ”。每个三 *** 有两个转位。
三音为低音时是之一转位（又叫“六 *** ”，这种名称是 *** 转位后，根音与其他 *** 音的音程关系而得名的），五音为低音时是第二转位（又叫“四六 *** ”）。
关于歌曲作曲的一般技巧和写出歌词不会作曲的介绍到此就结束了，不知道你从中找到你需要的信息了吗 ？如果你还想了解更多这方面的信息，记得收藏关注本站。
